Современные японские художники картины, «Будет ласковый дождь» Такаси Мураками и еще 3 большие выставки японского искусства - Афиша Daily
Свободное владение письмом тушью позволяет передавать свежий юмор. Картины художника Владимира Гремитских Графика , живопись масло. Кроме того, Япония активно включается в соревнование с Китаем за отношения с Россией и активно внедряет свою экономику и культуру в нашу действительность». Музей Яматанэ уже провёл несколько выставок, направленных на привлечение иностранных посетителей. Много писал гору Фудзи как символ Японии.
Типичным примером такой живописи является изображение священником-художником Као Kao легендарного монаха Кенсу Kensu, в кит. Такие картины делались быстрыми штрихами кисти и были минимально детализированы. Картина "Ловля сома на тыквенную семечку" Catching a Catfish with a Gourd , написанная священником-художником Джосетсу Josetsu , которая находится в храме Тайзо-ин Taizo-in в районе Миошин-Джи Myoshin-ji в Киото, отмечает собой поворотный момент в живописи периода Муромачи.
На переднем плане изображен человек на берегу ручья, держащий маленькую тыквенную семечку и смотрящий на большого скользкого сома. Средняя часть пейзажа окутана туманом, а на заднем плане нарисованы горы, находящиеся в отдалении.
Считается, что "новый стиль" живописи, появившийся в Японии около года, характеризуется изображением широких пространств, что было характерно для китайской живописи того периода.
К концу XIV века одноцветные изображения пейзажей сансьюга, sansuiga получили одобрение правящей семьи Ашикага Ashikaga , и стали предпочтительным жанром среди художников дзен, постепенно отходя от китайских корней и приобретая японские особенности. Шубун, монах монастыря Шококу-джи Shokoku-ji в Киото, написал картину "Чтение в бамбуковой роще" Reading in a Bamboo Grove , реалистичный пейзаж с глубоким удалением в пространстве.
Сесшу, в отличие от большинства художников того периода, имел возможность побывать в Китае и изучить китайскую живопись на ее родине. Одна из лучших его картин - "Длинный свиток" The Long Handscroll , изображающая четыре времени года на одном большом пейзаже.
В конце периода Муромачи чернильная живопись выбралась за пределы монастырей Дзен в художественный мир: живописцы школ Кано Kano и Ами Ami переняли стиль и тематики, но внесли больше пластики декоративных эффектов; в таком виде стиль существует в наше время. Фрагмент рисунка на ширме, изображающий прибытие корабля с Запада, худ. Кано Наизен Kano Naizen, — В отличие от предыдущего периода Муромачи, период Азучи-Момояма характеризуется появлением великолепного многоцветного стиля, широко использовавшего золотую и серебряную фольгу, и очень масштабными работами.
Кано Эйтоку Kano Eitoku разработал способ изображения грандиозных пейзажей на скользящих дверях, огораживающих комнаты. Эти огромные ширмы и настенные рисунки должны были украшать дома и дворцы военной знати. То же назначение сохранялось у них и в последующем периоде Эдо Edo , когда сёгунат Токугава Tokugawa продолжил продвигать работы школы Кано как официально санкционированный вид изобразительного искусства для сёгуна, феодалов daimyo и императорского двора.
Однако, в период Азучи-Момояма существовали и развивались художники и течения в живописи, не относящиеся к школе Кано; они перенимали китайские тематики и применяли их с использованием японских традиций.
Одной из важных групп художников была школа Тоса Tosa , которая использовала традиции ямато-и и была известна, в основном, благодаря работам небольших масштабов и иллюстрациям к литературной классике в книгах или эмаки emaki. Многие ученые, изучающие историю изобразительного искусства, считают период Эдо продолжением периода Азучи-Момояма. Конечно же, в начале периода Эдо многие из предыдущих тенденций живописи оставались популярными; однако, появились и новые тенденции.
Надпись в свитке Бодхидхармы Bodhidharma : "Дзен попадает точно в сердце человека, вглядись в свой внутренний мир и стань Буддой", Хакуйн Экаку Hakuin Ekaku, с до Одна из значительных школ, появившихся в начале периода Эдо - школа Римпа Rimpa , которая использовала классические сюжеты, но представляли их в смелом и ярком формате.
Спустя век, художник Корин Korin переработал стиль Сотатсу и создал великолепные картины в своем собственном стиле. Другой важный жанр, появившийся в период Азучи-Момояма , но достигший пика своего развития в начале периода Эдо - Намбан Namban , который изображал экзотичных иностранцев и использовал экзотичный иностранный стиль изобразительного искусства.
Центром этого жанра стал портовый город Нагасаки Nagasaki , который, после введения сёгунатом Токугавы политики изоляции, стал единственным японским портом, получившим разрешение вести торговлю с иностранными государствами; Нагасаки стал единственным путем проникновения китайских и европейских влияний на искусство в Японию.
Примеры этого жанра включают в себя работы школы Нагасаки, а также работы школы Маруяма-Шиджо Maruyama-Shijo , объединившей китайские и европейские влияния с традиционными японскими элементами. Третья важная тенденция периода Эдо - подъем жанра Бунджинга Bunjinga, иллюстрации к литературным произведениям , также известного как школа Нанга Nanga, Южная школа живописи. Сначала этот жанр был имитацией работ китайских художников-любителей времен династии Юань, чьи работы и техники пришли в Японию в середине XVIII века.
Позднее, художники, работающие в стиле бунджинга, видоизменили как техники, так и сюжеты этого жанра, создав смесь японского и китайского стилей. Из-за строгой финансовой и социальной политики сёгуната Токогава дорогие произведения этих жанров и стилей были лимитированы для высших слоев общества и недоступны, даже запрещены для низших классов. Простолюдины разработали альтернативный вид живописи - фузокуга fuzokuga , в котором изображались сцены простой, повседневной жизни обычных людей.
Популярными были изображения театра кабуки, проституток и пейзажи. В XVI веке эти картины положили начало развитию гравюр на дереве для оттиска, или укиёи ukiyoe , которые в середине и в конце периода Эдо были основными носителями письменной информации. В период Мейджи, в Японии произошли огромные политические и социальные изменения в рамках кампании по вестернизации и модернизации, начатой новым правительством.
Этот период ознаменовался разделением изобразительного искусства Японии на конкурирующие западные и традиционные стили. Однако после начальной популярности западного стиля, маятник качнулся в другую сторону, и, ведомое критиком Окурой Какузо Okakura Kakuzo и преподавателем Эрнестом Феноллоса Ernest Fenollosa , возродилось признание традиционных японских стилей.
В году западный стиль был запрещен к показу на официальных выставках, его сильно критиковали. Поддерживаемый Окакурой и Феноллосой, стиль Нинонга Nihonga развивался под влиянием европейских движения периода до Рафаэля и европейского романтизма. Художники, работающие в стиле Йога, образовали Мейджи Биджусукаи Meiji Bijutsukai, Общество изобразительного искусства Мейджи , чтобы проводить свои собственные выставки и вновь пробудить интерес к западной живописи.
Маэда Сейсон Maeda Seison. В году, с созданием под эгидой министерства образования выставки Бантен Bunten , обе конкурирующие группы нашли молчаливое признание и начали сосуществовать и даже объединяться. В период Тайшо европейские стили доминировали над традиционными. В этот период в Японию после долгого пребывания в Европе вернулись многие художники включая Аришиму Икуму Arishima Ikuma , принеся с собой техники импрессионизма и раннего постимпрессионизма.
Однако художники, работавшие в европейских стилях, в период Тайшо тяготели и к эклектицизму, кроме того, существовало множество иных направлений в живописи. К ним относится и Сообшество Карандаша Fusain Society, Fyuzankai , которое тяготело к постимпрессионизму, особенно фовизму. В году Никакаи Nikakai, Общество Второго Дивизиона создали выставку в оппозицию финансируемой правительством выставке Бантен.
На традиционную японскую живопись периода Тайшо лишь слегка повлияли соперничающие европейские движения, такие как неоклассицизм и поздний постимпрессионизм. Занимателен тот факт, что к концу периода Тайшо начал возрождаться стиль Нихонга Nihonga , перенявший некоторые черты постимпрессионизма.
Главными японскими живописцами этого периода были Ясуи Сотару Yasui Sotaro и Умехара Рязабуру Umehara Ryuzaburo , которые привнесли в традиционные японские стили понятия чистой и абстрактной живописи, таким образом сделав японскую живопись более содержательной. Для продолжения работы в этом направлении, в году была сформирована Независимая ассоциация искусств Independent Art Association, Dokuritsu Bijutsu Kyokai.
Во время Второй мировой войны контроль и цензура со стороны правительства означали, что допускались только патриотические сюжеты. В пропаганду правительства было вовлечено множество художников, и критическими обзорами их работ дело не ограничивалось. После войны, в году была создана спонсируемая правительством Японская академия искусств Japan Art Academy, Nihon Geijutsuin , включающая отделы как по нихонге, так и по йоге.
Финансирование правительством выставок прекратилось, но появились частные выставки, такие как Ниттен Nitten , которые были даже обширнее. Хотя Ниттен изначально являлась выставкой Японской академии искусств, с года ею заведовала отдельная частная корпорация.
Участие в Ниттен фактически стало предпосылкой к принятию в Японскую Академию искусств, что, в свою очередь, являлось предпосылкой к получению Ордена Культуры.
После Второй мировой войны художники, каллиграфы и гравировщики процветали в больших городах, особенно в Токио, их мысли занимало устройство современной городской жизни, отраженное в мерцающем свете, неоновых цветах и буйных скоростях их произведений. Все "учения" живописи Нью-Йорка и Парижа были приняты с широко раскрытыми объятиями.
Все чаще божества пантеона новой веры, а также сюжеты из жизни Учителя и его последователей появлялись на картинах японских художников. А помимо самого рисунка, присутствовал текст, который описывал либо дополнял сюжет работы. Стоит отметить, что с момента появления письменности каллиграфия и живопись тесно переплетаются между собой на всех этапах развития японского искусства.
В связи с этим большую роль играет линия, в то время как цвет и перспектива второстепенны. Этому свидетельствует существенное количество монохромных картин, где изображения подобны пиктограммам, которые несут свой собственный подтекст.
Более того, эта особенность закрепилась как отдельный стиль к началу XIV века под названием суми-э.
Данная техника широко используется и сейчас для написания картин в различных жанрах, в связи с чем имеет множество форм. Поэтому предлагаем подробнее ознакомится с японской живописью суми-э, как с одним из наиболее ярких её направлений.
Дословно название этой монохромной живописи переводится как тушь и рисунок суми — тушь, э — рисунок. Эта техника пришла в Японию из Китая еще в XII веке, когда странствующие буддийские монахи стали распространять китайскую культуру. Однако здесь она обрела иное, японское развитие, и сформировалась в отдельную характерную особенность живописи этой страны. Как уже понятно из самого названия, в Суми-э художники используют лишь черную тушь, играя с насыщенностью цвета и создавая богатую палитру серых оттенков.
Ведь несмотря на свою монохромность, одним из основных принципов этой техники является передача ощущения присутствия красок. Также здесь исключается создание каких либо предварительных набросков и эскизов, поэтому нанесение мазков должно быть отработано до автоматизма. Еще одной особенностью является то, что в отличие от западных мастеров, перед художником не стоит задача четкого отображения реальности.
Мастер передает суть картины пропуская увиденное через собственное восприятие. Таким образом перед зрителем открывается не достоверный пейзаж местности или портрет человека, а образ, который возник в воображении художника.
Ведущую роль в создании картины играет и внутренний настрой. Важно прибывать в состоянии бесстрастного созерцания, как бы сливаясь с природой воедино.
Наверное, именно поэтому птицы и цветы так часто встречаются на картинах японских мастеров и заслуживают особого внимания. Философия японского искусства базируется на поиске изысканности и красоты в окружающей реальности. Ну а что, как не цветы, является их непосредственным воплощением.
Тем более, что жителям Японии посчастливилось иметь возможность наблюдать за многими цветущими растениями, одним из которых является, конечно же, сакура. С древних времен и до наших дней цветение этого дерева не прекращает восхищать своей красотой, которая воодушевляет и вдохновляет поэтов, музыкантов и художников.
Но помимо сакуры, в этой стране есть еще множество прекрасных растений и цветов, которые обрели свой смысл и символику в искусстве и философии японцев. Так, например, хризантема считается символом солнца, изобилия и совершенства.
Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте. Добавление комментариев запрещено правилами блога. Разрешено только: участинкам блога, модераторам, зарегистрированным пользователям.
Забыли пароль? Войти как пользователь: Facebook Mail. Если у вас уже есть профиль на Kulturologia. Закрыть Вход. Войти как пользователь:. Если вы зарегистрированы на других сайтах, авторизуйтесь по протоколу OpenID: livejournal.
